to see behind walls, draw closer

理解素描

2021年3月1号，我正式开始学习素描，目标为：

  1. 理解素描（这份文档是具体的进展）
  2. 完成一组自己满意的习作（足够理解再谈满意）

目录

理解素描::一::基本几何体到简单静物

Posted on 2022.06.04 by pwz under CC BY-NC-ND 4.0
Updated on 2022.06.25 (typo fix, format fix)

背景介绍

2021年3月份报名了一个画室的素描课，一期12堂课，从3月上第一堂课到8月最后一堂课，以下是这期间（2021.03.01~2021.08.15）所有的练习，包括课上老师指定的11幅难度渐进的石膏几何体、简单静物，以及我在课下进行的12幅补充练习。

一些基本的备注：

  1. 以数字序号开头的为素描课上在老师指导下的练习，双下划线开头的是我私下的补充练习。
  2. 上课频率大体是每周一节，勤快时一周两节，有时也因出差等缘故隔几周才去上一节课，具体见日期标注。

课程与老师的情况：

  1. 素描课的整体安排，似乎是国内画室都差不多的：从基本的几何体画起，过渡到静物、静物组合、石膏像，再到人像等。
  2. 画室在上海，费用是1800元12堂课（实际给打了8折=1440元），有更贵或更便宜的，但这价格足够找个靠谱老师。
  3. 老师国美毕业，课上并不会讲太多东西，每堂课按照他既往的关于学习进程的经验（参考我达到的水平），安排我该画什么，画之前讲相关的理论基础。

之前考虑过自学最后还是找了老师，说下报班对我的意义：

  1. 克服拖延保持一定的进展速度，素描基本功练习对我来说是枯燥的，没有定期的课程限制很容易拖几周不画一张
  2. 我在网络上能够搜索到所有画室老师教给我的内容，但搜索信息、甄别信息需要消耗的时间成本，大于报班的费用。
  3. 老师能快速指出哪里画的有问题，找到问题所在才能快速修正、进步，自学很难保证这一点。

内容概览

这一时期没有详细时间记录，以下标注的时间是粗略且往偏多的估计
除了两幅标了4K的，均为8K尺寸的练习
---
01@2021.03.01 三棱锥 ~1h
02@2021.03.08 正方体 ~1h
__@2021.03.21 正方体 ~15min
03@2021.04.14 六棱柱 ~1h
__@2021.04.15 几何体涂鸦 ~30min
__@2021.04.16 六棱柱 ~30min
04@2021.04.19 长方体*2穿插 ~1h
__@2021.04.21 长方体*2穿插 ~30min
05@2021.04.23 球体 ~1h
__@2021.04.24 球体 ~20min
06@2021.04.26 正十二面体 ~1.5h
07@2021.05.05 长方体+正二十面体组合 ~1.5h
08@2021.05.10 苹果 ~1.5h
09@2021.05.17 广口陶罐 ~1.5h
__@2021.05.24 静物组合@桌面上玻璃杯陶罐及若干水果 4K ~2h
__@2021.05.25 热水壶 ~30min
__@2021.05.26 苹果 ~20min
10@2021.06.02 细颈陶罐 ~1h
11@2021.06.07 陶罐+苹果+衬布 简单静物组合 ~1h
__@2021.08.02 两个球体 ~15min
__@2021.08.05 橘子 ~40min
__@2021.08.10 静物组合@桌面上玻璃杯陶罐及若干水果 4K ~4h
__@2021.08.15 任意角度的头部模型 ~20min
---
累计练习时长约23小时（注意按照一定频率累计的23小时与集中练习23小时是有区别的，此场景下前者效果更好）
除了以上练习，这一时期还观看过大量绘画相关的视频，这带来一定的理论输入，但对实际绘画能力的提升影响甚微。

详细记录

01@2021.03.01 三棱锥

第一堂课。

先讲排线：

  1. 长直线用来画大形状（起形），要通过动手臂而不是转手腕来画长直线。
  2. 短弧线用来画大面积的颜色（铺调子），铺短线时注意两头尖中间粗，排线要均匀，略带弧度，两组线条交叉角度大一些（十字交叉会很生硬），如此铺出来的颜色会相对自然。
  3. 没必要专门花很多时间练习排线，在日常的素描练习中好好排，排线能力提升是水到渠成的事情。

再讲光影：

  1. 了解光线打到物体上产生的基本的受光面（亮面）、被光面（暗面）、影子（投影）以及被光面和影子上都有的些许反光即可。
  2. 物体底部的边界线要卡的死些（画的清晰且重），这不是什么死规矩，大概只是画几何体时可以用上的一个小技巧，一条深刻的黑线就能显得物体很真实，落在纸上。这在后期会发展成一条更通用的技巧：将那些重要的形状边界刻画一下，卡好几个点，能很高效的将画面主体内容表现出来。

绘画过程：

  1. 先确定物体在画面上大致的位置，上下边界、左右边界轻轻标记下（通常下面留空大于上面会显得画面更平衡）
  2. 用长直线把大形状画出来，一次没找准可以反复多找两遍
  3. 大形状调整、确定好之后，开始排线铺调子

More Notes ~

02@2021.03.08 正方体

引入透视规律：

进一步理解明暗关系。有种习惯的说法叫“三大面、五大调子”，感觉它们的概念有些相互重合，也没找到过严格的定义出处，简单理解下：

__@2021.03.21 正方体

敷衍的练习+1。

03@2021.04.14 六棱柱

没有引入太多新内容，面数增加–>明暗层次增加，训练排线、控调子的能力。 按照正六棱柱来说，这幅图的透视关系有问题，找相关的线条校验是否符合近大远小规律就能发现问题。

__@2021.04.15 几何体涂鸦

敷衍的练习+1。

__@2021.04.16 六棱柱

还是透视关系有问题。

04@2021.04.19 长方体*2穿插

穿插体引入了更多的结构关系，光影打在上面也形成了更多的层次

__@2021.04.21 长方体*2穿插

敷衍的练习+1。

05@2021.04.23 球体

球体上没有非常明确的形状边界，画好一个圆，之后的立体感全靠明暗关系的塑造。

某种“标准”的球体绘画过程总结如下：

  1. 外轮廓的圆形通过方形逐渐“切”出来，具体见左下角小图示例
  2. 外轮廓确定好后，可以优先确定明暗交界线
  3. 从明暗交界线开始，向两边扩展，将亮部、暗部的调子拓展式的铺出来
  4. 高光留好、暗部反光表现下、球底部加重刻画下，另外阴影铺一铺，整个球的感觉就出来了

这里可以引出一个话题：人是如何体会到立体感（空间感）的？前面说到透视关系，这里说到明暗虚实，常提的还有双目视觉（VR电影）等，感兴趣可以额外了解下。

参考阅读：为什么人会觉得二维东西是立体的？ - 知乎

__@2021.04.24 球体

敷衍的练习+1。

06@2021.04.26 正十二面体

更加复杂的物体，各个面的比例关系需要仔细观察分析。

07@2021.05.05 长方体+正二十面体组合

继续提高画面复杂程度，练习处理不同物体结合在一起时对光影的影响。

08@2021.05.10 苹果

第一个简单静物，在球体的基础上进行塑造，难点在于苹果柄处的凹陷，没啥技巧，好好观察，哪里该暗哪里该亮，如实画出来就好。

这张苹果可以改进的地方：整体上太圆，明暗交界过度比较生硬，暗部没能黑下去反光显得不真实。

09@2021.05.17 广口陶罐

更复杂些的单体静物。

有些套路式的总结，瓶口应该怎么画、瓶身应该怎么画，但说来说去，本质练习的是对形状以及明暗关系的掌控能力。瓶口边缘正对着光是亮的，光照到的内壁是量亮的，背光处的内壁是暗的，瓶口往下的内部难以反射出光线，所以几乎是“死黑”一片，把这些明暗关系观察到位，另外形状尽量画准确些，这个陶罐就画出来了。

形状涉及到透视关系，但这个阶段其实不用考虑那么多，你看到什么画什么就是，然后可以用透视关系反过来验证画的对不对。先入为主不可取，绘画要遵从眼睛观察到的，而不是脑袋里的印象。但“遵从眼睛的观察”不刻意训练其实是很难实现的，脑袋总有自己的想法。

关于遵从眼睛观察的认知最早是从《素描的诀窍》这本书中得来，这应该是领域内经典书籍了，我在正式学习素描之前粗略读过，后续的学习过程中没事也会拿出来翻翻，很有启发性，与国内画石膏这种素描教学方案相比完全是另一条路径。

__@2021.05.24 静物组合@桌面上玻璃杯陶罐及若干水果 4K

一直画基础物件很无聊，自己翻找视频想尝试下静物组合，但没耐住性子画下去，又多出一张敷衍的练习。

这张画是跟着这个如下链接画的，视频似乎是搬运的可能不会存续很久，但推荐这个叫陈平的老师，讲课思路很清晰。

参考：陈平素描静物教学视频带讲解分步骤学习美术联考教程教师培训资料

学习到这一阶段，没必要迈大步子尝试这种与水平不匹配的练习，各方面能力不达标，画不下来没有练习效果还容易打击自信心。 基本功练习的枯燥，可以找那种速成教学画上一幅，比如教你按照什么比例一步一步来画好一张人脸、一只猫猫狗狗、一幅雪中小屋之类的，这种浮于表面的绘画过程没有啥练习效果，但可以带来些许正向激励，权当解闷。

__@2021.05.25 热水壶

又是一张敷衍的练习，对着桌子上的热水壶描摹几笔，没耐心刻画下去。

这里额外说下，可以看到以上（以及之后）的课下练习，我都没什么耐心画下去，如此看来报班的选择是很正确的。

有点喜欢但没那么喜欢，这种情况就需要一些外力来助推下，才能有进展。所有这种出现在自己愿景中但又懒得付出行动去努力达成的目标，都可以参考这个思路借助外力来实现。扯远了。

__@2021.05.26 苹果

愿世界上不再有如此敷衍的苹果。

10@2021.06.02 细颈陶罐

与上一堂课的广口陶罐类似，属于同主题下的强化练习。

这里涉及到一个固有色的概念，从画中能感受到现实里的陶罐下边颜色是浅于上边的，这种物体本身的颜色深浅，而不是因为光照条件造成的明暗关系，表现在素描中，emmmm…，其实还是明暗关系。铅笔只能表现灰度，秉持着同样光线条件下颜色越深画的越重这条原则就好，然后与光影结合起来，表现出的内容自然就符合客观现实。

画到这里，记得老师讲过我的线条有些毛糙，但这不是大问题，形状、光影画对了是关键，是更重要的基本功。 还有一个大的关系老师偶尔会强调，虚实关系，练习中注意体会物体哪里要虚哪里要实。

小总结，学习、练习至此，素描中需要注意塑造的一些关系：

  1. 结构关系：形状准不准，比例对不对，透视对不对。结构关系解决是不是的问题
  2. 明暗关系：亮暗层次对不对，过度是否自然。明暗关系解决真不真实的问题。
  3. 虚实关系：进一步解决“真不真实”的问题，前期明暗还画不明白时虚实关系没显得多重要，后期形状、明暗都刻画很好的情况下，提升画面质感就很依赖虚实关系了。

11@2021.06.07 陶罐+苹果+衬布 简单静物组合

正式开始静物组合的练习，提高对复杂内容的掌控能力。

一幅画中出现多个物品，稳妥的方案是先定位好各个物品的位置、大小比例后，再逐个刻画。

这张练习，我去画室比较晚，老师又约了朋友去聚餐，草草结束画的很敷衍。

__@2021.08.02 两个球体

回过头来再画类似内容，已经不太需要花费多少时间。

__@2021.08.05 橘子

这张练习看了网上视频，开始尝试揉擦（之前也简单试过，比如那张4K静物组合），就是把之前画好的线条涂抹一下，再在上面刻画。从非连续的线条式明暗过度，变为揉擦后连续态的明暗过度，后者更符合现实也就更显得真实，但揉擦也有很多讲究或技巧，胡乱揉擦只会毁了之前的线条，这里只简单尝试不展开讨论。

__@2021.08.10 静物组合@桌面上玻璃杯陶罐及若干水果（第二次画） 4K

这段时间以来用时最久的一幅练习，前面画过一次，这次完成度稍高一些。

对衬布无从下手。一方面衬布没什么具体形状或者说形状过于复杂，对应的观察总结能力不足，另一方面对明暗关系的理解不到位，还不能做到熟练运用明暗关系表现厚度表现体积感。继续练习就好。

再贴一次这幅画对应的教学链接：陈平素描静物教学视频带讲解分步骤学习美术联考教程教师培训资料

__@2021.08.15 任意角度的头部模型

日常摸鱼刷绘画相关的视频，看到一份很棒的人像素描教程，原版在这里： How to Draw Facial Features | Proko B站上有很多搬运，用关键字Proko可以搜索到，跟着涂鸦下找找乐子，这种就是太偏应用，教你画某种具体的东西，对基本功的练习帮助有限。学习素描最终的目标应该是，可以画一切内容，而支撑这个目标需要的基本功，前面提到过的都在此列：

  1. 观察能力，要能看到画面特征并如实记录，靠记忆画是不靠谱的也没办法记忆所有物品
  2. 造型能力，结构、比例、透视均在造型的范畴内，如前面所说，这些解决是不是的问题，这些画错了东西也就不是那个东西了
  3. 刻画能力，主要是指明暗及虚实关系能否刻画准确，解决真实与否的问题，解决质感的问题

这里的个人总结或许较片面有偏差，全文内容均如此，认知是会不断改变丰富的，这一阶段的学习在此告一段落。

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理解素描::二::静物组合到简单石膏像

Posted on 2022.06.05 by pwz under CC BY-NC-ND 4.0
Updated on 2022.06.25 (typo fix, format fix)

在画室的第一期课程结束后，紧接着开始了第二期（2021.08.16~2022.11.15），以下为这一阶段的所有练习。

这一阶段，主要在画复杂的静物组合以及石膏面像、头像，不断巩固、提高素描的基本功，为后续画人像或其他复杂内容做准备。由于画面内容增多，通常一堂课画不完，多为两堂课画完一张4K练习。12堂课总共画了8张，外加3张我的额外练习，这份文档里共11张素描。

备注一个信息，到此阶段结束，所有的练习都是对着书上的素描或照片进行的，没有写生。

内容概览：

所有练习按照日期排布如下，标注的时间是粗略且往偏多的估计。
数字开头为老师指导下的练习，双下划线开头为课下自己进行的练习。
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01@2021.08.16 一坨衬布 ~1.5h
__@2021.08.17 两块儿毛巾（草图+重画） ~2h
02@2021.08.30 静物组合@桌面、衬布、陶罐、水果 PartA ~2h
03@2021.09.01 静物组合@桌面、衬布、陶罐、水果 PartB ~2h
04@2021.09.08 复杂静物组合@桌面上一堆餐具、水果及杂物 ~09.19在家逐步画完  ~6h
__@2021.09.11 静物组合@金属水壶映着桌面上的水果 ~4h
05@2021.09.24 石膏耳朵 ~1.5h
06@2021.09.27 石膏眼睛 ~1.5h
07@2021.10.06 贝多芬石膏面像@块状 ~2h
08@2021.10.08 贝多芬石膏面像@平滑 ~2h
09@2021.10.11 四分之三大卫石膏面像@块状 ~2.5h
10@2021.10.22 四分之三大卫石膏面像@平滑（未完） ~1.5h
__@2021.11.04 四分之三大卫石膏面像@平滑（完毕） ~1.5h
11@2021.11.12 战神石膏头像（50%） ~2h
__@2021.11.14 石膏头像结构练习（哭孩、荷矛者、将军） ~5h
12@2021.11.15 战神石膏头像（100%） ~2h
---
累计练习时长约39小时。
三个月里除了这些练习，就是没事会刷一刷相关视频，除此没有其它输入。

1@20210816 一坨衬布

上一期课程最后画的静物组合，跟老师讲不会画衬布，单独安排一节课练习衬布。这张还是没有找到感觉。

_@20210817 两块儿毛巾（草图+重画）

针对衬布无从下手的问题，网上翻了翻教学视频，跟着强化练习下，画的过程逐渐有些开悟。

衬布不好处理的地方在于其转折与厚度，要理清楚厚度怎么体现出来的，再仔细刻画。

参考视频：素描衬布画法教程

2@20210830 静物组合@桌面、衬布、陶罐、水果

一张普通的静物组合，练习基本功的同时也在练习耐心，这样一幅素描在现阶段要画上两堂课4个小时左右。

3@20210908~19 复杂静物组合@桌面上一堆餐具、水果及杂物

上一张画完之后，老师说可以来一张复杂些的，找了这张含罐（果）量巨高的画让我练习（临摹），课上画完一部分之后把样照拍到手机里拿回家，拖拖拉拉十来天才画完。

画这幅的时候，老师还没有具体教过怎么揉擦，只偶尔提过一句可以适当辅以揉擦，单独去找视频了解了下，这副练习里大部分地方都有揉擦痕迹。

_@20210911 静物组合@金属水壶映着桌面上的水果

额外进行的练习，尝试体现不锈钢的材质，效果似乎还行。

找有视频演示的画进行练习，能从演示中对比自己画的程度，比简单找张图临摹要好些。

参考视频：初级静物组合不锈钢壶苹果白衬布 北京华艺名画室

4@20210924 石膏耳朵

进入人像部分，但还是从最基础的画起，五官的单块儿石膏像。

这种练习目的大概是为了先了解对应结构，之后画人像时才心中有数，但我画这些的时候，照葫芦画瓢，老师也没具体讲解什么，真正对这些结构有更深理解还是后来画更多人像练习时，回过头来再对照着观察，才理解的，有些本末倒置了。

5@20210927 石膏眼睛

6@20211006-08 贝多芬石膏面像

4K的纸，左右两部分是分开两堂课完成的。

这张画完，一扫之前的枯燥，似乎可以开始画小人了，很有成就感。其实还差得远。这些都是照着别人画好的素描，临摹的，离自己观察真正的石膏像，靠自己画出来，还隔着一道观察的鸿沟。

但即使如此，半年前让我照着画这样一张，是难以实现的，所以还是有成就感，正反馈比较强。

7@20211011~1104 四分之三大卫石膏面像

大体同上一幅，但头发占据很多工作量，照着画抄作业，也是需要一定观察能力才行，不然抄不明白。

学习到这里，不太涉及更多的理论知识，有也是五官结构这种，不属于素描基本功的范畴。于是核心诉求在于提升基本功，更高效准确的观察概况能力、起形能力、塑造能力等，而途径则是，堆练习量上去。

8@20211112-15 战神石膏头像

第一次画，一个完整的脑袋。也是两堂课才完成，署名15号是完成的日期，实际12号就用了一堂课画了。

_@20211114-15 石膏头像结构练习（哭孩、荷矛者、将军）

对头像有了基本认识后，有天晚上一口气画了很久，没具体刻画，但大体感觉是可以的。整个过程没怎么意识到时间流逝，这种沉浸在绘画中的感觉很不错。

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理解素描::三::停滞以及尝试画人像

Posted on 2022.06.05 by pwz under CC BY-NC-ND 4.0
Updated on 2022.06.25 typo fix, format fix Updated on 2022.07.10 add new sketch

停滞

2021.11.15~2022.04.04，这期间因为各种事情，素描练习基本停滞。

维纳斯头像是第二期课程最后一堂课的作业，拖了三个月才完成，起形有很多问题，重复画的第二遍偏差更大。阿格里巴是另外找的练习，没画完就开始涂鸦，草草结束掉了。

这个阶段没什么有效练习，因为没好好画/想好好画但没能画好，打击了自信心，消极反馈拉满，更不愿意练。时间跨度很长，也算是素描学习的一个阶段（摆烂），单独记录下。

2021.11.15~2022.02.15 维纳斯石膏头像 4K ~4h

2022.02.20 维纳斯石膏头像 4K ~2h

2022.03.19 阿格里巴石膏头像 4K ~2h

尝试画人像

2022年5月13日~7月10日，因为上海疫情没继续上第三期课程，短时间内也不想继续上课，想独自练习一阵。之前的石膏像没心情继续画，直接尝试画真实的人像。

05.13-06.22 若干尝试*8


越画偏差越大，想的不是修正而是放弃，胡乱涂鸦，草草结束


完成度极低，但似乎做到了兼顾“整体进度？
“作画的任一阶段，都应该是完整的，而不是画了某个局部”，大概是这样说的，某种指导思想。


企图用涂抹提高画面完成度，行不通，基础的刻画不到位，涂抹（揉擦）没有意义


纸上记的：透视上需要改进，右眼的朝向以及下巴的朝向、长度；控制笔试，刻画上干净些


最直观的偏差是头的长度太长了


找了几个视频了解头骨结构，找了个3D模型网站，照着模型熟悉了下
从观察的角度讲，没必要了解从外部看不到的骨骼结构，看到什么画什么就是 但从经验作画（默画）的角度讲，结构是作画的底线规则，可以帮忙确认画面关键特征点（每张脸都应该有那样几个明显的转折）


花费精力在一个错误的大比例形状基础上刻画


抱歉

06.25-07.10 尝试找准大形*5


不使用揉擦，花费大部分时间观察块面形状、比例、角度
大形状相比之前有进展
面部的角度没有表现出来，并且是快画完才意识到，另外线条凌乱


参照着网格确定大的比例关系，最终大的比例确实还说得过去
细微的比例关系、角度关系，如右眼的角度、脖子的左侧边界、额头边界，导致整体神态垮掉
光影刻画暂时不多关注，先解决基本的形状、透视问题


继续练习大形状，下巴与脖子偏差比较大，其它及格
《素描的诀窍》里开篇先讲批判性对话（这个下巴不对劲）&实用性对话（下巴的长度比实际长了一些）
要适应用实用性对话进行总结（画完）&促进画面发展（作画中）
保持对大关系的观察与落实程度，后续花更多精力关注细小形状的刻画


看偏差图，几个比较明显的偏差（左侧眼部，上嘴唇厚度，头箍右下边界）没有注意到
稍微详细些处理细节比如鼻子的时候，有种无从下手的感觉，要努力观察+总结概括几何形状，实在观察不来找参考练习


画到一半的时候就觉得已经没救了，上纸巾擦了一遍，还想尝试把形状找一找，徒劳无功
花费的时间并不短，这样的越级练习停掉吧，练习效率太低了

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对素描的理解#20220710

Posted on 2022.07.10 by pwz under CC BY-NC-ND 4.0

什么是素描

素描是一种作画形式，是“绘画”领域的基本功，很多其它的绘画形式，如油画、水彩等，都需要素描能力作为前置支撑。

素描关注物体的形状、光影、虚实关系，也某种程度上关注物体的颜色，通过黑色的明度来体现。

素描的基本功

素描的基本目标是如实的表现客观存在，让纸面上的内容真实，达到这个目标需要的能力就是素描的基本功：

  1. 观察能力：要能看到画面特征才能如实记录，习以为常意味着忽视，要对作画所需要的信息（形状、虚实等）敏感起来
  2. 造型能力：
    • 最核心的概念是形状，大的轮廓形状或细小的结构形，是画面的基础
    • 形状中有一个大的话题是透视，透视最终通过形状来体现，但理解好透视原理，有助于分析和画出真实的形状
  3. 刻画能力：主要是指光影及虚实关系的刻画，解决真实与否的问题

有正确透视的形状 + 光影 + 虚实 = 二维纸面上有体积感的看起来很真实的物体。

作画的技巧

起稿方式

可以用线条起稿或者用色块起稿，两种方式都是刻画形状，线条的边界更明确所以比较适合初学者。

线条起稿，按部就班的用线条画形状再叠加光影效果，相对容易掌控。

色块起稿，在刻画形状的同时，实际也带入了光影，一步到位作画效率相对会高一些。

起形技巧

将形状画准是素描中最基本也最重要的一点。

起形的技巧实际都是观察的技巧，能观察到就不难画出。

观察可以从3个细节方面出发：

  1. 比例：线条的比例、块面大小比例
  2. 角度：线条的角度
  3. 形状：关注基本形状、组合形状、负形

当前的核心问题

无法画准形状，经常在大的比例、角度关系上犯错误。

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理解素描::四::读读书是否会有长进？

Posted on 2022.07.10 by pwz under CC BY-NC-ND 4.0
Last updated on 2023.04.05

Drawing on the Right Side of the Brain (《像艺术家一样思考》) by Betty Edwards

01. 绘画和骑单车的艺术

可以从某种角度将知识分类为思考类知识和运动类知识(Refer~YJango-大脑运作模式视角下的知识分类)，关于学习绘画的相当一部分内容属于构建运动类知识这个过程，所以我们不能简单通过听课、阅读来掌握绘画。

大多数美术教师和美术教科书的作者们忠告初学者“改变你们看事物的方法”以及“学习如何看事物”。 问题是这种看事物的不同方法很难解释，就像如何在单车上平衡一样。 大多数人永远也没学会更好地看事物，以至于不能绘画。

每个有一般视力和一般眼手协调能力的普通人都能学会绘画

神秘的绘画能力似乎就是一种将大脑的状态转换到不同的视觉／感知模式的能力。 当你能够掌握画家们看事物的特殊方法时，你就能画画了。 学习绘画的关键是把大脑转换到不同的信息处理模式，即一种意识模式的轻微转换，为你能够更好地看事物建立条件。

02. 素描训练基础说明

这一章介绍（本书中）关于素描训练的基本信息，需要用到的工具，布置了三项“学前练习”，分别是“自画像”、“某位记忆中的人物”和“自己的手”。

03. 左脑与右脑

大多数人左右脑具有偏侧性，左右脑擅长的东西不一样。相比于擅长逻辑分析的总在进行概括归类的词汇性的左脑，右脑更擅长处理绘画这项任务。

就我们所知，在这个星球的所有生物中，人类是惟一一个能够画出自己所在环境中人和事物形象的物种

左脑控制身体的右侧，右脑控制身体的左侧

在使用右脑模式处理信息时，我们拥有直觉和卓越的洞察力——这时我们不用按照逻辑顺序解决问题。 这就是右脑模式：一个直觉性的、主观的、相关的、整体的、没有时间概念的模式

今天，教育家们越来越关心直觉和创意的重要性。然而，学校系统通常仍然构建在左脑模式的基础上。 我们的文化太倾向于奖励左脑的技能，以至于我们的孩子们丧失了一大部分右脑的潜力。科学家洁儿·乐伟曾经幽默地说——经历过美式科学培训的研究生们有可能完全摧毁自己的右脑

  左脑模式   右脑模式
词汇性 使用词汇进行命名，描述和定义。 非词汇性 使用非词汇性认识来处理感知。
分析性 有步骤地解决问题，一部分一部分地来。 综合性 把事物整合成为一个整体。
象征性 使用符号来象征某些事物。比如说，象形图画代表笑脸，＋代表加法。 真实性 涉及事物当时的原样。
抽象性 取出很少的一点信息代表整个事物。 类似性 看到事物相同的地方，理解事物象征性的含义。
时间性 有时间概念，将事物排序；首先做什么，然后做什么，等等。 非时间性 没有时间概念。
理性 根据理由和事实得出结论。 非理性 不需要以理由和事实为基础；自动自发地不做出判断。
数字性 使用数字进行计算。 空间立体性 看到事物与其他事物之间的联系以及怎样由各个部分组合成为一个整体。
逻辑性 根据逻辑得出结论；把事物按照逻辑顺序排列，比如说一个数学定律或一个理由充分的论据。 直觉性 根据不完整的规律，感觉或视觉图像洞察出事物的真相。
线性 进行连贯性思维，一个想法紧接着一个想法，往往引出一个集合性的结论。 整体性 一下子看到整个事物；感知整体规律和结构，往往引出分散性的结论。

上表来自原书

04-06. 右脑模式体验&儿时符号系统&绕开符号系统

对应原书4~6章。通过一些设计好的绘画任务，感受左脑的符号系统对绘画的（不利）影响以及纯粹的右脑模式对绘画的帮助。右脑模式实际对应以前总结过的，“如实的观察”。

左脑对这种详细的感知毫无耐性，实际上它会说：“我告诉你，那就是把椅子。知道这些就够了”

这些符号从哪来呢？在画儿童画的那些年里，每个人都发展了一套符号系统。这个符号系统根植于你的记忆中，符号们随时准备被提取出来，就像画你的儿童风景画时那样。

总的来说，成年学生在绘画的初级阶段并没有真正看到他们眼前的东西，也就是说，他们没有按照绘画所必需的特殊方法感知事物。他们记下需要画的是什么，然后根据自己小时侯发明的符号系统和对眼前事物的认识，快速地把感知翻译成词汇和符号。

重复一遍，关键是如何完成从左脑模式到右脑模式的认知转换。像我在第四章说的那样，最有效的方法是向大脑提交一项左脑不能或不想处理的任务。

向十岁以上的人教授写实画的中心问题是，当那些绘画符号不再适用于这个任务时，它们挥之不去。

双目视觉使我们看到的世界是三维的。这个能力有时也被称作“深度透视”。当你闭上一只眼睛，看到的图像是两维的，也就是说，图像看起来是平的，像一张照片。我们绘画时用的纸也是平的或两维的。

到目前为止，我们已经发现了左脑在能力上的一些缺陷。它不喜欢对称的图像（如酒杯／人脸画）。它不能应付颠倒过来的感知信息（如在颠倒的斯特拉文斯基的画像中那样）。它拒绝处理缓慢、复杂的感知（如纯的和改良轮廓画）。我们通过利用这些缺陷来帮助右脑模式有机会在没有左脑模式干扰的情况下处理视觉信息。

07-08. 感知空间的形状（阴形）&透视基础

构图的定义：阳形（目标物体/人物）+阴形（空白区域）+框架（平面外围边线）

阴形的作用

比率是相互关系的基础

丢勒的装置（“正式透视”） 过于左脑化、显得呆板僵硬

观察、耐心观察、相信自己对角度和比例关系的观察

如果画中任何部分似乎有点“变形”或“画得不精确”，用你的透明塑料显像板把有问题的区域检查一遍

“如果在你的画中，你习惯性地漠视比例关系，你将会习惯失真的视野，并失去鉴定的能力。生活于贫困的人最终将习惯于此。” ——《艺术的精神》，1923。

09. 画头像

人像画要求非常精确的感知，比例关系至关重要，右脑善于识别人脸，像与不像立刻就能知道

除了复杂程度，某种类型的画（比如人像）不会比另一种类型的画更难，进行任何类型的绘画时所做的工作都是相同的，每一幅画都要求你学习这些基本感知技巧

大脑总是强制刚刚接收到的视觉信息去适应已有的观念和信仰，这减少引入信息的复杂性，但对绘画是干扰，要试着用逻辑方法证明某些比例关系是怎样就是怎样的

从“被削掉的头骨之谜”引出若干关键比例

正侧面肖像练习：

10. 光线与阴影的逻辑

如左脑对阴形与颠倒的画面的不感兴趣一样，左脑对光与影也不重视，需要调动意识客观地观察光影。

人像画三个基本角度：正面、侧面、四分之三侧面

运用光线逻辑画一幅完全相似、带有色调、充满立体感的自画像：

99. 读后小记#20230327

最后一张自画像，傍晚坐窗前开始画，没多会儿天完全黑掉懒得开灯摸黑涂鸦，开灯后真是“惊喜”。对比开始读这本书时第一张自画像，绘画能力没啥进展（归咎于若干练习敷衍了事），认知方面书中关于左脑右脑模式的论述最有趣，理解并运用这种差异可以更好地进行绘画。有一种观念在读这本书时又不断被强化，即不带抽象总结的客观的观察与落笔，是描绘准确的关键，对于这本书而言，就是进入右脑模式感知现实情况，借助左脑模式评估修正，屏蔽左脑的符号系统。

The Eye of the Painter and the Elements of Beauty (《画家之眼》) by Andrew Loomis

01. 序言

全书列出美的12项基本要素，围绕这些要素一一进行讲述：这些要素具体指什么，如何做到。如作者前言写的一样，要素彼此其实密不可分，在书中被如此拆分独立，有些有道理没什么辩驳的空间，比如颜色，这是很明确的画面物理属性，但有些有很大的讨论空间怎么说怎么有理，比如韵律，我在阅读时一直觉得这样的词汇适合表达感受，它是由其他更实在的要素组合出来的结果，它本身不适合作为基本要素来描述美。

具体对这些要素的描述如下，摘自原书：

The elements of beauty are so well integrated that it is often very difficult to separate them for purposes of analysis. In discussing one principle or element it may be necessary to embrace another or even several others at the same time. Nevertheless, the attempt should be made to bring each one, separately, under our scrutiny. These are the basic twelve:

  1. Unity. The “oneness” which brings all the pictorial qualities together into a single or whole expression; the organization of design, color, line, values, textures, and subject into a combined and total expresion.
  2. Simplicity, or Clarity. The subordination of all material and detail that is irrelevant to the main thought; the reduction of the subject into the fundamentals of design, form, and pattern.
  3. Design. The over-all relationship of areas, form, and color. Design makes the picture.
  4. Proportion. Harmonious relation of each subject and each part of the picture. Distortion is the opposite of proportion, though some distortion may be legitimate, where an idea or an emotion might need greater emphasis.
  5. Color. This is one of the strongest elements of beauty, and in using it the artist cannot simply be guided by tastes, likes or dislikes. The relationship of color to values must be understood, as well as the basic principles of mixing and producing colors for realistic and harmonious effects.
  6. Rhythm. Though this is often underestimated or misunderstood, it is a quality that contributes greatly to the beauty of a painting. There is rhythm in all animate and inanimate life, from the smallest forms to the cycles of the universe. Without it, form is static and lifeless. The repetition of similar colors or of lines or shapes of increasing or diminishing size will create rhythm in a painting just as it does in nature. For instance there is rhythm, in the repeating lines of trees with their branches and leaves, or in the lines of a zebra’s back, or in the petals or markings of a flower.
  7. Form. The structure of form in relation to the whole is a fundamental art principle. Everything is either form or space (solid or void) and neither can exist without the other. A painting is said to have “form” when the shapes of the objects contained in it are well outlined, well composed, and properly contrasted with the open areas — such as a tree against the sky.
  8. Texture. The rendering of surface. There is characteristic surface to all form, and this is as important as its structure. We cannot achieve true beauty by painting all form with the same type of surface, as if all things were made of the same material, which is precisely what happens too often in otherwise good painting.
  9. Values. Values and color are inseparably dependent upon each other. Neither can be true or beautiful alone. The proper relationship of values creates the effects of light and contributes to the unity of the picture. Tncorrect relationships can do more than anything else to destroy beauty.
  10. Quality of Light. An element of prime im- portance. The quality of the light in a painting blends with the actual light falling upon the picture and becomes part of it. There are many kinds of light — indoor, outdoor sunlight, diffused light, reflected light. The source of light must be related to the modeling of form, to the kind and brilliancy of color, and to texture. Without a true understanding of light a picture can become mere planes of paint and canvas.
  11. Choice of Subject. This offers the artist his greatest chance to exercise individual taste. The limitless sources of life and nature are his to tap and from them he can select, design, and produce a concentrated example of his own appreciation of beauty.
  12. Technique. The means of expression rather than the expression itself. Technique includes understanding of surface and texture, knowledge of medium and its many methods of application. It is the personal rendering by which all the other elements are brought together.

02. 我的理解

挑几个我比较有感触的结合自己的理解聊一聊。

简洁（Simplicity）

听以前在学校作摄影经验分享的学长讲过：绘画是加法，从一张白布上不断添加所要表达的内容；摄影是减法，调整画面突出重点减少无关元素的干扰。

无论从什么角度把绘画摄影看成加法或减法，目标其实是“简洁”。摄影、绘画都在通过描绘些什么进而表达些什么，现实的或者脑海中想象的，描绘的过程要做取舍，用恰到好处的内容进行表达，好过啰哩啰嗦画蛇添足，三两句话能讲清楚的不必多费口舌写一大段，现在，这一段试图描述对“简洁”理解的话，已经超出简洁的阈值了。

一些关于简洁的思路与技巧：

一些有道理的言论：

色彩（Color）

前一本书色彩的章节直接跳过了，对色彩一无所知，目前学习素描也不会画颜色，这本书讲色彩的部分不多就读一读，积累些零散的色彩基础认知。

色彩加上其他美的要素，能让美达到极致，其中明度比任何要素更能掌控色彩。具体的颜色是我们可以在商店直接买到的，但颜色的明度要靠人工控制，The point is that we do not buy shades and tints and variations of color; we produce them on our palette from basic primaries.，这里我没太理解，颜色的明度（深浅色调）是不是如今也是可以直接买到的？当然了，不管买不买得到，连续的细微明度变化总是要靠人来通过离散的能买得到的颜色控制。

大多数画只需要几管颜料就能完成，利用红黄蓝各自的寒暖色，可以调出任何色彩或色调，以及各颜色的明暗色度。颜色调制有很多技术细节需要注意，有些成分之间互相会产生化学反应导致变色。这个知识细节对我来说太硬核了先跳过。补充下额外去查的三原色：

将纯色紧密连画彼此留些许间隔，人眼看上去就会看到其他色彩，或者用基本颜色调出期望的颜色作为中间色（neutralized color），然后在这个中间色上分别涂上原来调出这个颜色所用到的颜色，这是所谓的破色（broken color）。红黄蓝两两混合产生二次色（secondariy color），红+黄=橘色，红+蓝=紫色，黄+蓝=绿色，橘色、紫色、绿色分别是蓝、绿、红的补色（complementary color）。二次色加一种原色就是三次色（tertiary color）。

三原色基本上并不相关，绘画时不可让三原色力量均等，会彼此失衡。不是说画面必须由一个原色主导，我们只是调和颜色让色彩和谐，若想扩大和谐感，就挑一个二次色或三次色，少量加到画面的色彩上。

质感（Texture）

应该是全书最短章节，书中描述不多，但质感这个话题，无论素描还是油画，想想在二维平面上用同样的画笔画出来的感觉，物体表面的质感可以完全不同，很有趣。

质感与形体无关，与笔法、技法比较相关。质感通常可以借由暗示来表现，不必以刻画的方式临摹，更具体的例子书中没举，我在网上查了查，有一说法是质感主要靠物体高光和反光的色调变化来表现，这与书中说不必刻画而是暗示，似乎是一个意思。关于质感的体现，还没做过什么练习，后续实际画画过程可以再体会一番。

除了暗示，还有人通过真实的物理属性表现质感。画布本身的质感会影响画作的质感，有的画家会把沙子加进打底的媒材，让画布产生颗粒状，另外用不同的绘画工具画出来的内容也会具有不同的质感。

03. 读后小记#20230402

回上海的途中读完这本很久之前买回到家中一直没动放在书架上的书，15万字多是论述没有练习外加有些基础的了解于是读的很快，写这些笔记时又找来了英文版本重新对照阅读了一次，有收获但不多，原因也在于很多内容之前已经有所了解。看到个还不错的视频可以快速了解这本书。

Keys to Drawing (《素描的诀窍》) by Bert Dodson

This may be my third or fourth time reading this book, definitely more than twice. Before taking the formal course from the sketch teacher, I knew about this book and learned the basics of painting through it. I’d like to review some inspiring or important viewpoints in this book and do some casual exercises. It’s midnight and raining outside, let’s go have fun.

1. The Drawing Process

It takes courage to ignore knowledge and to respond to what we see instead.

2. The Artist’s Handwriting

3. Proportions: Taking the Measure of Things

4. The Illusion of Light

5. The Illusion of Depth

6. The Illusion of Texture

7. Pattern and Design

8. Drawing and Imagination

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理解素描::五::继续以及持续练习

Posted on 2024.05.12 by pwz under CC BY-NC-ND 4.0

2023.04.08 高尔基石膏像临摹 8K 2.5h

2023.05.07 不认识的石膏像临摹 8k 3h

2023.05.29 不认识的石膏像临摹 8k 3h

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